|
|
波普艺术
什么是波普艺术？
于20世纪50年代首先出现在英国的波普艺术［Pop art，这个名称是英国艺术评论家劳伦斯·阿洛威（Lawrence Alloway）想出来的］，是20世纪中期最有影响力的艺术运动之一，尤其在英国和美国。波普艺术家借助了广告和流行文化中的大众媒体图像创作艺术，挑战美术的地位。波普艺术的关键人物有主要在英国工作的艾伦·琼斯（Allen Jones，1937—）、爱德华多·包洛奇（Eduardo Paolozzi，1924—2005）、彼得·布莱克（Peter Blake，1930—）和理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton，1922—2011），而美国波普艺术家则有罗伊·利希滕斯坦（1923—2007）、罗伯特·劳森伯格（1925—2008）、贾斯珀·琼斯（1930— ）和最著名的安迪·沃霍尔（1928—1987）。
谁是安迪·沃霍尔？
安迪·沃霍尔（Andy Warhol，1928—1987）是一位标志性的名人艺术家，他的金宝汤罐头和电影明星仍然是辨识度最高、价值也极高的波普艺术作品。沃霍尔顶着一头偏白的金发、戴着黑色太阳镜、穿着高领毛衣的形象已经深入人心。他将大众媒体图像的符号价值除去，赋予这些图像全新的面貌。生于美国宾西法尼亚州匹兹堡的沃霍尔，曾在卡内基学院学习，1949年移居纽约。在那里，他开始创作商业艺术，还有绘画、版画、雕塑和电影。
沃霍尔的纽约工作室被称作“工厂”。在工作室里，他和助手团队一起用丝网印刷机大规模地印制图像。他的目标是机械地制作人们所熟悉的图像，直到它们失去所有意义，就像不停地重复说一个词，直到它听上去像荒谬的废话一样。这就解释了《易碎——小心轻放》等画作的含义，这幅画中重复出现“易碎”这个词，直到它成为近乎抽象的图形。与此相似，沃霍尔还制作了一段八小时的冗长影片，从一个角度拍摄帝国大厦。沃霍尔的作品是20世纪60年代艺术与时尚界的绝对主导，直到80年代，他还在不断地利用名人的肖像与名声来挑战艺术的边界。
贾斯珀·琼斯为什么画美国国旗？
美国当代艺术家贾斯珀·琼斯（Jasper Johns，1930—）以创作绘画、版画和雕塑而著称，画中经常出现熟悉的物品和符号，例如靶子、数字和美国国旗。与波普艺术的主题和目标一致，琼斯以一种全新的方式展现了人们所熟悉的物品。不过，与创作新的图像相比，他更想描绘“大脑已经知道的东西”（引自《大都会博物馆艺术史年表》）。他曾表示，是一个梦为他画国旗提供了灵感，而一幅写实作品也会更加凸显他所画符号的人为性。
谁是罗伯特·劳森伯格？
罗伯特·劳森伯格（Robert Rauschenberg，1925—2008）和他的好友、情人兼生意伙伴贾斯珀·琼斯，都是波普艺术中非常有影响力的艺术家。劳森伯格将艺术引离抽象表现主义。他曾经把一张德库宁的画抹掉，然后把这张空白页裱在画框里，最后完成的作品被他命名为《抹掉德库宁的画》（Erased De Kooning Drawing，1953）。这个大胆的、挑衅的举动使人们开始注意到一个困扰着20世纪中期艺术家的问题——抽象表现主义之后，艺术将走向何方？
从20世纪50年代开始，劳森伯格开始创作一种“综合”绘画，在画中加入现成的物品和图像，包括报纸和照片等，甚至还有纽约街边的垃圾，如毛绒玩具、电子产品和建筑的某一部分等。他最著名的作品（也是最早的综合绘画）是1955年的《床》，这是一幅综合媒材绘画，包括了沾满颜料的棉被、床单，还有用过的枕头（劳森伯格用铅笔在枕头上绘画）。人们认为，这件自传性的作品也是对艺术与日常生活之间关系的一种评论。劳森伯格的《柿子》（1965）没有用垃圾，而是用了彼得·保罗·鲁本斯的17世纪绘画《镜前的维纳斯》（Venus at Her Toilet），画中古代神话中的爱神从镜子的反射中看向观者，创造了一个视觉谜语，艺术史上很多绘画作品中都能看到这样的谜语。借助这件当代组合作品，劳森伯格对艺术的历史进行了一番探讨。
谁是大卫·霍克尼？
大卫·霍克尼（David Hockney，1937—）是一位重要的早期波普艺术家，但是他并不喜欢把自己与波普艺术联系起来，而且他的作品的确风格多样。作为著名的当代艺术家，霍克尼尚在伦敦的皇家艺术学院学习时，职业生涯就已经起步了，他的早期作品经常融入诗的片段和个人的主题。绘画《我们两个男孩紧紧相拥》（We Two Boys Together Clinging，1961）令人想起让·杜布菲的“原生艺术”，画面上满是手写的字，一些幼稚的形状看上去像孩童的手笔。到了职业中期，霍克尼的绘画风格明显更加平和，开始用丙烯绘制，画面则反映出了他作为平面艺术家和画家的技艺。他最有名的波普艺术作品应该是《大水花》（The Big Splash，1967），这幅色彩明亮的画作描绘了加利福尼亚州的一个游泳池，一条几何形状的跳板从池边伸到画面中央。一片漩涡状的水花绽放在游泳池平静的蓝色水面，使画面看上去像一张照片。20世纪七八十年代，他曾尝试创作拼贴画，将宝利来照片的碎片置于井然有序的画面之中。因为在摄影方面的工作，他于2003年获得了颇具声望的皇家摄影协会颁发的大奖。之后，霍克尼继续创作绘画，并进一步获得了认可，其中包括一些大型风景画，例如《更大的大峡谷》（A Bigger Grand Canyon，1998），这幅画由超过60幅单件作品组成。
究竟是什么让今天的家庭如此不同，如此吸引人？
《究竟是什么让今天的家庭如此不同，如此吸引人？》是英国艺术家理查德·汉密尔顿（1922—2011）于1956年创作的波普照片拼贴作品，曾在伦敦白教堂画廊的“这就是明天”（This is Tomorrow）波普艺术展中展出，而且是该展览最重要的作品之一。展览的画册和海报中都用了这件作品的图片。画面中展示的是一间中产阶级家庭的客厅，上面贴着一些剪下来的照片，左侧是一名肌肉发达的健美运动员的黑白照片，他手里拿着棒棒糖，而一位几乎没穿衣服的女人摆着夸张的姿势，倚靠在看上去很普通的沙发上，房间上方还贴着一张从太空俯瞰拍摄的地球照片，从画面上方低低地压下来。这件作品中的图案都是从美国的杂志里剪下来的，是波普艺术利用大众媒体图像的典型例子，可以被理解为对于城市文化和消费主义的批判。
罗伊·利希滕斯坦为什么画漫画？
从罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein，1923—1997）的早期作品中可以看出他对立体主义和抽象表现主义的兴趣。20世纪60年代，他开始创作漫画书绘画，在《Whaam！》（1963）和《艾迪双联画》（Eddie Diptych，1962）等作品中，利希滕斯坦把漫画图像变成了大型美术作品，把图像放大，然后画上印报纸图片时用的“本戴点”（Ben Day）。有些评论家认为，这种创作方法是一种滑稽模仿（parody），但是与波普艺术的目标一致。利希滕斯坦能够把“低俗”的漫画书艺术转变成高端的美术作品，但是他的有些作品也起到了完全相反的效果。在《黄色笔画》（Yellow Brushstroke，1965）中，他精雕细琢地绘制了一道黄色颜料，作品显得近乎可笑，而且非常平庸乏味。他还用标志性的漫画风格重画了著名的绘画杰作，例如梵高的《阿尔勒的卧室》（1888）。利希滕斯坦创作这些像漫画一样的图像，是为了鼓励观者对写实绘画“准确”展现现实的方式提出质疑。
罗伊·利希滕斯坦作品
观念艺术与其他现代艺术运动
抽象艺术
什么是欧普艺术？
欧普艺术（op art）中的op，指的是“视错觉”（optical illusion）。欧普艺术绘画由精确的几何抽象图案组成，例如布里奇特·瑞利（Bridget Riley）的《变形》（Metamorphosis，1964）。欧普绘画将颜色和形状以某种特殊的方式组合，创造出一种模糊的视后象（after-image），这种效果和看强光时间过久或看游乐园里的哈哈镜感觉差不多。匈牙利艺术家维克托·瓦萨雷里（Victor Vasarely，1908—1997）是欧普艺术的先锋，他的斑马主题商业绘画（以及它们重复的黑白条纹）是一项早期的视觉实验，而黑白色的《超新星》（Supernovae，1959—1961）等作品则充满动感和不安。瓦萨雷里将这些作品与亚历山大·考尔德等艺术家的动态艺术联系在一起。观者是欧普艺术的重要元素，因为如果没有观者——尤其是他们的观看视角——就不会有视错觉效果。欧普艺术是对人类视觉感受（观看事物的经历）的研究与探索。
谁是伊娃·海瑟？
德裔美国画家、雕塑家伊娃·海瑟（Eva Hesse，1936—1970）生于犹太家庭，后来他们逃离了纳粹德国。海瑟的实验性艺术可以被归为极简主义，但是与其他极简主义者不同，她的作品离不开个人经历与叙事。她的装置雕塑《绳子》（Rope Piece，1969—1970）是一团缠绕在一起的粗绳、细绳和电线，看上去有点儿恐怖，而且每次移到新的地点时都有所不同，被描绘成“空间中的绘画”。她的作品《即位II》（Accession II，1968—1969）是一个乙烯基和钢制成的立方体，现藏于底特律艺术学院。立方体的顶部是打开的，露出里面一层密密麻麻、如同纤维的管子——这是对于严肃的极简主义艺术品的一种反击。
什么是后绘画性抽象？
“后绘画性抽象”（post-painterly abstraction）是颇具影响力的艺术评论家克莱门特·格林伯格（1909—1994）发明的词，指的是受到美国抽象表现主义影响（但是又与其区分开来）的抽象艺术。该词囊括了多个不同的抽象类别，其中包括（但不限于）硬边绘画（hard-edge painting）和染色绘画（stain painting）。弗兰克·斯特拉（Frank Stella，1936—）和埃尔斯沃斯·凯利（Ellsworth Kelly，1923—）的作品是典型的硬边绘画，画面中有几何形状的大色块，色块之间边界清晰，完全没有混色，不同颜色之间的过渡非常突兀。斯特拉的画作《格兰·开罗》（Gran Cairo，1962）就是由一系列由大到小的彩色方框组成的。艺术家海伦·弗兰肯塔勒最擅长染色绘画，会把纯色颜料涂抹在画布上，这也被认为是一种后绘画性抽象，重视绘画的形式特征，例如形状和颜色。艺术家们还尝试使用其他形状的画布，将绘画变成一个物体或者一件雕塑。后绘画性抽象持续至20世纪70年代，此后，后现代艺术家开始挑战现代主义评论家克莱门特·格林伯格的权威性。
什么是极简主义？
极简主义（Minimalism）是指简单的几何形艺术，通常不带任何个人色彩，而且用一系列全新的材料进行创作，包括铝、树脂玻璃、胶合板和钢。极简主义艺术家试图将他们的作品简化成纯粹的形式，除去任何与个性、感受、象征或故事有关的内容。极简主义在20世纪60年代开始流行起来，但是当时很多艺术评论家都指责这种风格太冷酷无情，而且质疑艺术能否或者是否应该用工业手段制作。“极简主义”一词被用于描述从艾德·莱茵哈特到伊夫·克莱因，从弗兰克·斯特拉到罗伯特·劳森伯格等很多艺术家的作品。唐纳德·贾德（Donald Judd，1928—1994）的作品是极简主义的典型例子。贾德用他的一系列墙面结构作品探讨了绘画与雕塑之间的区别，这些作品是由一系列机器生产的长方体组成的，长方体从墙面凸出来，形成他所说的“具体物件”（specific objects）。艺术家安妮·特鲁伊特（Anne Truitt，1921—2004）的作品模糊了极简主义和色域绘画之间的界限，但是，她的极简雕塑《格兰特》（Grant，1963）——一条涂了丙烯的木制长梁——是无个人特征和几何形状的纯粹形式。
观念艺术
什么是观念艺术？
各式各样的观念艺术（Conceptual art）的出现已经有几十年的历史，但是直到20世纪六七十年代才正式成为一场重要的艺术运动。受到达达主义和马塞尔·杜尚的影响，观念主义艺术主要关注艺术的思想进程。艺术家索·勒威特（Sol LeWitt）在1967年的文章《论观念艺术》（Paragraphs on Conceptual Art）中解释了该运动的基础：一个想法本身就可以成为一件艺术品。
观念艺术种类繁多，而且与很多国际艺术家都有关系。观念艺术能够以任何形式呈现，从手写的文件、照片、视频到表演艺术都可以。比利时艺术家马塞尔·布鲁泰尔斯（Marcel Broodthaers，1924–1976）的作品就属于观念艺术。布鲁泰尔斯是作家、电影制作人和视觉艺术家，他最受赞誉的作品可能是《现代艺术博物馆之老鹰部》（Musée d'Art Moderne，Département des Aigles，1968），这件装置作品位于他布鲁塞尔的家里，表现的是一个完全虚构的博物馆。除了他制作的海报、说明文字和标识外，这座博物馆根本就不存在，作品的核心概念是质疑博物馆作为机构的权威性。现在，观念艺术仍然是当代艺术的主要类别。
什么是表演艺术？
表演艺术（Performance art）比它的名字所体现的含义更复杂一点。表演艺术并不是单独的一幅画或一尊雕塑，而是混合了音乐、戏剧演出和视觉艺术。但是，表演艺术作为一种形式本身在20世纪60年代才流行起来，不但使艺术和艺术家之间的界限模糊不清，而且经常令观者感到不适。例如，艺术家吉尔伯特和乔治在他们的表演《歌唱的雕塑》（1969）中连续唱了8个多小时。在题为《如何向一只死兔子解释图像》（1968）的作品中，颇具挑衅性的艺术家约瑟夫·博伊斯怀抱着一只死去的兔子，看上去好像正在悄声向它说话。小野洋子在1964年的表演作品《切片》（Cut Piece），邀请参与作品的观众一片片剪掉她的衣服，直到她一丝不挂，展现了艺术和艺术家如何融为一体。这场表演也可以归为“激浪派艺术”的一例。
什么是激浪派？
激浪派（Fluxus）运动是一场由国际性艺术家群体发起的、难以描述的反艺术运动（有时称为新达达主义），这些艺术家想要表现艺术和生活之间的关系。“激浪派”一词是立陶宛裔美国艺术家乔治·麦素纳斯（George Maciunas）于1961年发明的，源自拉丁语，意为“流动”。激浪派艺术家包括约瑟夫·博伊斯（Joseph Beuys，1921–1986）、乔治·布莱希特（George Brecht，1926—2008）、白南准（Nam June Paik，1932—2006）、小野洋子（Yoko Ono，1933—）、实验作曲家与表演艺术家拉蒙特·杨（LaMonte Young，1935—）等。艺术家迪克·希金斯（Dick Higgins，1938—1998）做了一个橡皮图章，在上面刻字解释道，“激浪”是“一种做事方式、一项传统、一种生活和死亡方式”。激浪派艺术本身就是一种合作文化，艺术家们会一起创作作品，通过信件来往等方式。在激浪合作艺术节（Collaborative Fluxus festivals）或“激浪演奏会”上，会有实验音乐和其他节奏很快的短表演节目。激浪派反对狭隘的描述，认为本身既开放、简单，且有幽默感。
什么是贫穷艺术？
“贫穷艺术”（Arte Povera）强调在艺术中使用日常物品，以拓展“艺术”的范围为目标。这个词是意大利艺术家杰曼·切兰特（German Celant）于1967年提出的，与包括“不定形艺术”在内的类似艺术运动都有关系。与“贫穷艺术”运动相关的艺术家有希腊人简尼思·库耐利斯（Jannis Kounellis，1933—）、意大利人朱利奥·保利尼（Giulio Paolini，1940—）和米开朗琪罗·皮斯特莱托（Michelangelo Pistoletto，1933—）。皮斯特莱托最著名的“贫穷艺术”作品是《破布维纳斯》（Venus of the Rags，1967），一尊微微闪光的爱神维纳斯雕塑（背对观者）站在一大堆彩色破布前。库耐利斯在1978年的《无题》中也将精美的古典主义作品与日常用品并置进行对比，作品中用绳子把古典雕塑的碎片绑在一起。
什么是人体艺术？
在人体艺术中，艺术家的身体是创作的媒介。人体艺术与很多其他艺术形式与风格有重合之处，比如表演艺术。20世纪60年代，人体艺术形式开始流行，很可能是作为对极简主义的冷淡与朴素的一种回应。人体艺术的典例有布鲁斯·瑙曼（Bruce Nauman）的摄影作品《喷泉自画像》（Self-Portrait as a Fountain，1966—1967），照片中艺术家的身体如同喷泉，水从他的嘴里喷射出来。另一例观念性人体艺术是皮耶罗·曼佐尼（Piero Manzoni）的《**雕塑》（Living Sculpture，1961），在这个作品中，艺术家会在女人们的身体上签名。
装置艺术
什么是装置艺术？
装置艺术（installation art）不仅仅是立体的作品，还会创造出一个完整的环境。有些情况下，画廊的整个空间都需要用来展示一个装置作品，通常是临时性的（有时则是永久性的）。20世纪70年代，装置艺术开始流行起来，至今仍是一种重要的艺术形式。装置通常要求观者/参与者与作品进行互动，而且也可以收藏，不一定依赖于某个特定环境而存在。伊夫·克莱因1958年的作品《虚无》（The Void）是第一件装置。克莱因将一间墙壁刷成白色、空无一物的画廊作为作品展出。其他著名装置艺术作品还有英国雕塑家瑞秋·怀特里德（Rachel Whiteread）的《堤岸》（Embankment ，2005），由像小山一样堆起来的白色塑料盒组成。她专门为伦敦泰特现代美术馆的轮机房大厅设计了这件作品，参观者可以在装置中走动，这样他们可以“亲密接触”一件巨型艺术作品。
瑞秋·怀特里德《堤岸》
谁是珍妮·霍尔泽？
观念艺术家珍妮·霍尔泽（Jenny Holzer，1950—）以她的文本装置和公共展出著称，最早的作品是《自明之理》（Truisms，1977—1979），是一系列贴在纽约城各处的匿名海报，每张海报上有一句话，例如“远离我所欲”“滥用职权，意料之中”“追求爱是美丽而愚蠢的”等。除了用海报展示这些“自明之理”外，霍尔泽还在公共长椅上刻字、做T恤、帽子等。后来，她开始用LED展示牌创作，获得了评论界和大众的称赞。例如，她为世界贸易中心七号大楼的大堂做了一个十几厘米宽的永久性LED展示牌，牌子上的字缓慢地滚动出现。作品中大部分文字是霍尔泽自己写的，到了后期，她开始加入一些其他国家诗人的语句，还有公开的美国政府文件里的内容，包括伊拉克阿布格莱布监狱的审讯记录。霍尔泽在公共空间展出人们私下所说的语句，强调了私人通信与公共传播之间的区别。
什么是大地艺术？
大地艺术（Earthworks）也称地景艺术（land art），是指用土、岩石和水等天然材料进行的艺术创作，通常规模很大。20世纪60年代，大地艺术开始流行起来，由于风格本来就很简洁，所以人们认为它与极简主义有一定的关系。大地艺术基本上不可能进行买卖和展出，因而有些学者认为这种艺术形式是对消费主义的抗拒。最著名的大地艺术作品是1970年建造的《螺旋防波堤》（Spiral Jetty），位于美国犹他州大盐湖的罗泽角，作者是艺术家罗伯特·史密森（Robert Smithson）。《螺旋防波堤》的确规模巨大，长达450多米，由土、泥和玄武岩建成，伸向湖中央。由于湖的水位变化，防波堤隔一段时间就会被淹没。像《螺旋防波堤》这样的大地艺术规模如此之大，令人想起那些神秘的巨型古代遗迹，比如卡霍基亚和巨蛇山。大地艺术作品还包括迈克尔·黑泽尔（Michael Heizer）的《双重否定》（Double Negative，1969—70），这件艺术品是亚利桑那州某峡谷的一侧挖开的两道又深又宽的沟。另外，还有瓦尔特·德·玛利亚（Walter de Maria）的《闪电原野》（Lightning Field，1977）也是大地艺术。
《螺旋防波堤》
什么是《闪电原野》？
大地艺术或地景艺术作品《闪电原野》（1977）位于美国新墨西哥州西部，作者是美国雕塑家瓦尔特·德·玛利亚。德·玛利亚将400根尖头不锈钢柱立于广阔的沙漠之中，构成网格的形状，覆盖了1.6千米乘1.6千米的面积。每根钢柱约6米，专为吸引闪电而设计，也吸引了很多参观者。《闪电原野》也可以算作雕塑或装置作品，鼓励参观者走到柱子之间，与自然环境进行互动。迪亚艺术基金会负责管理这件巨型大地艺术作品，如果想参观可以联系他们。
什么是过程艺术？
过程艺术（Process art）是一种探究艺术创作行为的艺术，不太关注最后完成的物体或作品。过程艺术运动始于20世纪60年代，抽象表现主义艺术家杰克逊·波洛克的画作就属于过程艺术，至少在某种程度上是由他作画的过程（滴洒颜料的过程）决定的。有些其他的艺术运动也与过程艺术有所重合，例如大地艺术，因为作品完成后，环境会对作品产生持续的影响。美国雕塑家理查德·塞拉（Richard Serra，1939—）的巨型极简主义作品也是过程艺术的例子。他的钢雕塑会促使参观者思考这种材料的性质以及它们的制作过程。一块像塔一样高的钢板看上去很简单，但是却引起了人们的好奇心，开始思考“如何做到”的问题。
艺术、文化与政治
什么是女性主义艺术？
女性主义艺术始于20世纪60年代，伴随受政治和社会因素驱动的妇女解放运动发展而来。由于艺术史存在系统性的性别歧视，所以女性主义艺术的目标是重新阐释艺术史，推广女性对于艺术和文化的贡献。历史上，女性一直在进行艺术创作，但是她们的艺术品（例如陶瓷、珠宝和纺织品）在传统上属于手工艺，地位低于雕塑、绘画等所谓的“美术”作品。女性主义艺术家致力于提高手工艺品的地位，就像16世纪和17世纪时文艺复兴艺术家想要提高艺术家的地位一样。20世纪60年代到70年代，画廊代理的女艺术家比男艺术家少很多，她们只好自己组建团体或集体画廊来推广作品。女性主义艺术群体有“女艺术家革命”（Women Artists in Revolution，简称WAR）和“女性主义艺术项目”（Feminist Art Program），是由女性主义先驱艺术家朱迪·芝加哥（Judy Chicago，1939—）和米芮安·夏皮罗（Miriam Shapiro，1923—）在南加州创办的。女性主义艺术运动早期的艺术家也参与了其他运动或以其他艺术风格进行创作，例如极简主义、观念艺术和装置艺术。
什么是《晚宴》？
艺术家朱迪·芝加哥的《晚宴》（The Dinner Party）是一件女性主义艺术杰作，最早于1979年展出，之后进行了全球巡展。《晚宴》尺寸很大，呈等边三角形，象征女性特质。三角形的每条边长度均为14米多一点，都放着13套餐具，暗示“最后的晚餐”中参加晚餐的人数。总共39个用餐位置，每个都有特殊的设计，向历史上39位十分重要的女性人物表示敬意——从埃及皇后哈特谢普苏特到弗吉尼亚·伍尔夫（Virginia Woolf），再到乔治亚·奥基弗。在芝加哥的指导下，100位女性合作制作了一条长长的绣花饰布，作品中三角形的瓷质“纪念板”上还写着999位女性的名字。《晚宴》强调了那些在历史中经常被遗忘的女性角色，赞颂了女性的创造力和优秀的艺术传统。然而，这件作品也引起了争议，有些人批评作品所涉及的女性范围太窄，只体现了异性恋白人女性的视角等。无论如何，《晚宴》仍然是一个强有力的女性主义声明，而且也是朱迪·芝加哥最著名的作品。
什么是《女人之屋》？
《女人之屋》（Womanhouse）是一件1971年的艺术装置，也是表演艺术作品、女性主义者合作的成果，还是一间实际存在的房子，位于加利福尼亚州好莱坞的马里波萨大道553号。该项目由加州艺术学院的女性主义艺术项目组织执行。在一座房子的拆除计划实施之前，26位女性组成一个团体，对它进行了整修，利用她们的木工手艺，把房子变成了一个展示女性艺术创作的空间，而且房子本身也成了一件艺术品。《女人之屋》里有包括《养育厨房》（Nurturant Kitchen）在内的18件装置，《等待》（Waiting）等表演作品对女性的房屋看护人角色提出了质疑。《女人之屋》于1972年向公众开放，吸引了接近万名参观者。展览结束后，大部分艺术品都和房子一起被拆毁了。
谁是费思·林戈尔德？
美籍非裔艺术家费思·林戈尔德（Faith Ringgold，1930—）生于哈勒姆，擅长创作绘画、故事拼布和软雕塑。受到非洲艺术传统和风格的启发，她创作了探讨种族、性别身份和公民权利等问题的作品。林戈尔德被称作纤维艺术家，但是她使用的材料种类其实多种多样。1967年，她绘制了《黑人权力的到来》（Advent of Black Power），作为《美国人系列》（American People Series）中的一幅作品，被用在了美国的邮票上。后来，她成为美国黑人艺术家群体“我们在哪儿”（“Where We At”）中的一员。林戈尔德还从中国西藏的唐卡中获得了灵感，从20世纪80年代开始创作“故事拼布”（story quilts），其中最有名的是《焦油沙滩》（Tar Beach，1988），1991年时这幅作品还被编成一本图画书。《焦油沙滩》以绘画方式叙述了8岁小女孩的凯西·路易丝·莱特福特（Cassie Louise Lightfoot）的故事，她的父亲在工会工作，当凯西站在哈勒姆的房顶上时，想象力带着她开始了自由翱翔。故事的文字（该版本编成了书）写在了拼布的四周。
什么是AFRICOBRA？
AFRICOBRA是非洲的坏相关艺术家公社（African Commune of Bad Relevant Artists）的简称，是1968年创立于芝加哥的艺术家群体。其前身OBAC，即美国黑人文化组织（Organization of Black American Culture），是一个作家、历史学家和艺术家组成的多学科群体。AFRICOBRA中有画家、摄影师、版画家、纤维艺术家和雕塑家，包括杰夫·唐纳逊（Jeff Donaldson，1932—2004）、瓦兹沃斯·加瑞尔（Wadsworth Jarrell，1929—）、芭芭拉·琼斯·霍古（Barbara Jones-Hogu，1938—）等。该群体重视合作，作品通常颜色明亮，具有象征性，而且关注社会问题，他们通过这些作品来探讨非裔美国人的身份和艺术传统。1967年，唐纳逊、加瑞尔和其他OBAC的成员在芝加哥南边的一面墙上共同创作了壁画《敬意之墙》（Wall of Respect），倡导公民权利和社区参与。1973年，芝加哥市政府摧毁了这幅壁画所在的建筑，但是《敬意之墙》在芝加哥其他地方和世界各地都催生了很多类似政治题材的壁画项目。
谁是芭芭拉·克鲁格？
美国观念艺术家、平面设计师芭芭拉·克鲁格（Barbara Kruger，1945—）以照片拼贴作品著称。她在纽约进修时，师从著名摄影师黛安·阿布斯（Diane Arbus）和马文·伊斯拉尔（Marvin Israel），随后相继成为《时尚芭莎》（Harper's Bazaar）杂志的平面设计师和Mademoiselle的设计主管。克鲁格利用大众媒体与广告的力量创作她的文字加图片作品，且会在作品中插入一些类似广告语的文字来传播信息，例如“我买故我在”和“我们不再需要英雄”。她的著名作品《你的凝视无异于打我一个耳光》（Your Gaze Hits the Side of My Face，1981）对传统艺术中女性的被动角色提出了质疑，作品除了标题文字外，还有一尊女性雕塑的侧面像。克鲁格经常用“我”“你”等第一和第二人称代词，避免提及性别，这样她的文字就能够普遍适用。她的后期作品经常借用一些图片，最近开始创作装置。人们用“宣传鼓动”［agitprop，即“鼓动”（agitation）和“宣传”（propaganda）的混合词］来描述克鲁格的艺术风格，她的作品主题主要有女性主义、消费主义和身份问题。
芭芭拉·克鲁格 《你无法把钱带进坟墓》
如何辨别是什么艺术运动启发了某件作品？
很多博物馆和画廊里的艺术品并不限于某一个特定的艺术运动或风格。但是，下面还是提供了一个简单粗暴地快速识别常见现当代艺术形式的指南。
作品描述 艺术运动或风格
巨幅画作，笔触粗犷，颜料四溅，用色大胆。 很可能属于抽象表现主义，主要是抽象的、色彩明亮的大型作品。
一个从墙面凸出来的、涂了颜料的正方形，分不清是绘画还是雕塑。 极简主义艺术含有几何形状、简单，而且通常会模糊绘画与雕塑之间的界限。
这件艺术品是一部电话，以龙虾作为听筒。 可能属于几种风格，最像达达主义或超现实主义。这两场运动都会把日常物品从有功用的物体变成视觉艺术作品。
这是一张大萧条时期农民家庭的照片。 大萧条期间，社会现实主义运动用绘画和摄影表现美国人生活的现实状态。类似地，美国区域主义也展现了美国的乡村生活。
展厅中央悬挂着一个雕塑，它在缓慢地转动。 动态艺术作品一直在动，比如亚历山大·考尔德的动态雕塑，这样可以从多个不同角度观看作品。
表面有光泽的大幅绘画，描绘了一些熟悉的商标和品牌名称。 听上去像波普艺术，这类艺术经常表现大众媒体和针对消费者的图像。
这件艺术品由各种乱七八糟的材料组成，比如垃圾、儿童玩具和旧衣服。 贫穷艺术通常由非常规的艺术材料组成。这类作品也可能属于集合艺术，或者罗伯特·劳森伯格的组合艺术。
整个展厅都是一件艺术品。 属于装置艺术，一种将整个环境包括在内的艺术形式。
这幅画描绘了一把小提琴，但是图像有很多重复之处，而且有的部分比较抽象，由参差不齐的几何形线条构成。 估计是一幅立体主义作品。毕加索、布拉克等立体主义者致力于从不同的角度描绘同一个物体，而且经常通过碎片化处理和拼贴来实现。
具象艺术
什么是照相写实主义？
照相写实主义（photorealism）也称超级写实主义（super-realism/hyperrealism）、清晰聚焦写实主义（sharp focus realism），出现于20世纪70年代，是波普艺术和极简主义的延伸，甚至可以说是精确主义的后裔。照相写实主义绘画受到了摄影和其他媒体图像的影响，而且与波普艺术类似，经常以不带感情色彩甚至庸俗的日常生活细节为题材。美国照相写实主义艺术家查克·克洛斯（Chuck Close，1940—）的绘画非常逼真，看上去像照片一样。他的创作手法是以一张照片作为模板，用喷枪把颜料喷到一张网格画布上。艺术家奥黛丽·弗拉克（Audrey Flack，1931—）的照相写实主义静物绘画令人想起巴洛克的虚空派绘画。照相写实主义经常借助“错视画法”（让眼睛产生错觉的画法）来表达某种含义以及对社会、政治和文化主题进行评论。照相写实主义艺术家还有罗伯特·贝希特勒（Robert Bechtle，1932—）、理查德·埃斯蒂斯（Richard Estes，1932—）和英国艺术家马尔科姆·莫里（Malcolm Morley，1931—）。
后现代主义与艺术
什么是后现代主义？
后现代主义（postmodernism）是一个复杂的词汇，也是个复杂的理论，可以用于艺术、建筑、文学、哲学等很多领域。后现代主义的字面意思就是“现代主义之后”，但是人们却对该词提出了很多种解释，比如对现代主义的拒绝、对现代主义的批判、现代主义的新阶段等。所以，后现代主义要么是反现代主义，要么是现代主义的延伸，无论哪种解释，都是基于更早的现代主义来定义的。如果说现代主义是统一、严肃的，那么后现代主义就是多样、戏谑的；如果说现代主义在探寻真理，那么后现代主义就是在宣称真理不存在。
20世纪70年代，后现代主义开始进入艺术领域，成为一种创作方式，不过，我们在建筑领域更容易辨别出它的影响。格里特·里特维尔德设计的现代主义建筑施罗德别墅（1924）的家具和室内设计都与建筑风格保持一致，构成统一的整体。相反，位于美国新奥尔良的意大利广场（Piazza d'Italia，1975）则体现了各种不同建筑风格的影响——从文艺复兴到巴洛克、再到现代主义——而且由多种形状和颜色构成。施罗德别墅风格统一，而意大利广场则风格多样。
后现代主义有哪些重要概念？
对后现代主义一些关键词汇的理解，可以帮我们搞懂后现代艺术家到底在做什么。
●多元主义（Pluralism）——后现代艺术不仅有多样性，而且还有“多元性”，也就是说，它反映了各种不同民族、种族、宗教、性别和性取向群体的多重视角。后现代艺术还体现了多种不同的艺术风格，经常融入从过去到现在的各种艺术运动的特点。
●挪用（Appropriation）——后现代艺术经常复制或借用其他艺术品中的元素和图像来创造新作品。想想现在的《辛普森一家》（The Simpsons）和《恶搞之家》（Family Guy）等电视喜剧片，里面经常提到或者以滑稽的方式模仿其他电视剧或流行文化中的元素，如果不熟悉其中所指的内容，就不会懂它为什么好笑。
●解构（Deconstruction）——后现代解构是把统一的整体拆解以揭示其内部结构的方法，一种进行分析和阐释时所用的形式。后现代艺术家对现代主义包罗万象的统一性结构表示怀疑，所以他们最喜欢用这种方法。由此来看，后现代主义就像一个不停问“为什么”的孩子。
●刻奇（Kitsch）——很多后现代艺术家都在挑战“好品味”和“坏品味”之间的界限。“刻奇”本来是指那些坏品味的丑陋物品，例如旅游纪念品或者一些过于多愁善感的东西。装饰用的花园地精塑像、印着英国皇室照片的盘子等都属于“刻奇”。后现代艺术家欣然接受了“刻奇”，而且经常在作品中加入“刻奇”的元素。
后现代建筑是什么样的？
后现代主义建筑不能说是一种风格，而是更像一种建筑设计方法。虽然后现代建筑看上去可能没什么相似之处，但是仍有一些相同的特征。罗伯特·文丘里（Robert Venturi，1925—）是一位重要的后现代建筑师，生于费城，在他看来，城市环境过于复杂，不可能统一化，所以1966年时，他在《建筑的复杂性与矛盾性》（Complexity and Contradiction in Architecture）一书中用“少即是无趣”（less is a bore）回应了路德维希·密斯·凡·德罗提出的“少即是多”（less is more）的观点。文丘里的建筑风格是历史上各种建筑风格的混搭，“凡娜·文丘里住宅”（Vanna Venturi House）是一个典型例证。这座住宅是为建筑师的母亲建造的，1964年完工，既复杂又简约，既严肃又有趣，房体十分结实，房顶为折角形，有点像传统的农舍，但又不完全是。这种似是而非的不统一性正是后现代主义的特征。弗兰克·盖里也是著名后现代建筑师，作品有在洛杉矶建造的迪士尼音乐厅（2003年时对外开放），以及1997年建成、位于西班牙毕尔巴鄂的古根海姆现代艺术博物馆。他的作品经常由磨得十分光亮的不锈钢构成扭曲的平面，组成复杂的曲线设计，这种混乱的风格可以说属于解构主义。
后现代艺术有哪些例子？
很多后现代艺术运动的名称都冠以一个“新”字，因为它们反映的是更早期的现代风格或创作手法，下面举几个例子说明：
弗兰克·盖里设计的沃尔特·迪士尼音乐厅，位于洛杉矶
●新表现主义（Neo-expressionism）——新表现主义艺术以绘画为主（尽管有些雕塑也属于该风格），20世纪70年代末至80年代初始于德国。新表现主义绘画通常色彩鲜艳，有的很写实，但是总体上风格比较原始，对绘画形式本身有较强的意识。新表现主义代表艺术家包括德国人安塞姆·基弗（Anselm Kiefer，1945—）和美国人朱利安·施纳贝尔（Julian Schnabel，1951—），后者看上去颇为凌乱的大型画作销路很好。
●新几何主义（Neo-geo）——新几何观念主义（Neo-Geometric Conceptualism）简称新几何主义，20世纪80年代中期在纽约兴起，主要特点是后现代的“挪用”和强烈的讽刺感。新几何主义艺术家包括彼得·哈雷（Peter Halley，1953—）和罗斯·布莱克纳（Ross Bleckner，1949—），他们给常见的现代主义形式赋予了新的象征意义。阿什利·比克尔顿（Ashley Bickerton，1959—）和杰夫·昆斯（Jeff Koons，1955—）等也属于新几何主义艺术家，但是他们对消费文化更感兴趣，作品有时也会归类为“后波普”（post pop）。
●新波普（Neo-pop）——新波普又称“后波普”，是20世纪80年代受波普艺术的影响而发展起来的艺术运动。新波普艺术家有哈伊姆·斯坦巴赫（Haim Steinbach，1944—）、艾伦·麦科考伦（Alan McCollum，1949—）、杰夫·昆斯、阿什利·比克尔顿和村上隆（Takashi Murakami，1961—）。新波普艺术家频繁在作品中借用现成的常见物品（现成品），对主流文化的价值观提出质疑。
谁是辛迪·雪曼？
后现代摄影师辛迪·雪曼（Cindy Sherman，1954—）擅长对媒体图像进行概念上的改动，还经常在作品中加入自拍照。雪曼的摄影作品探讨了女性的身份，并质疑了女人在艺术和流行文化中的传统形象。在《无题电影剧照》（Untitled Film Stills）系列中，雪曼饰演了20世纪70年代末到80年代初的著名女性形象，例如以玛丽莲·梦露为代表的“金发美女”，以及其他老套的典型形象，从颇有自我意识的角色到言听计从或滑稽的女人都有。她的后期作品开始以艺术史为脉络，在《无题＃224》中，雪曼装扮成巴洛克艺术家卡拉瓦乔作品中的古代酒神巴克斯，葡萄叶花冠下的一双眼睛凝视着观众。通过创作这些作品，辛迪·雪曼成为众多形象的混合体，令观者不由得开始怀疑艺术家的身份以及艺术与流行文化描绘人物的方式，在多大程度上是真实的，又在多大程度上是人为的？
谁是杰夫·昆斯？
杰夫·昆斯（Jeff Koons，1955—）是一位颇具争议但极其成功的当代艺术家，以色彩明亮的大型雕塑和大规模助手团队创作的艺术作品闻名。昆斯曾经做过商品经销商，后在芝加哥艺术学院和马里兰艺术学院进修，他创作的艺术主要批判了商业主义。例如，在《新的》（The New，1979）系列作品中，他把一个吸尘器放在透明的有机玻璃盒中展出，后来，他开始创作表面光亮的巨型气球动物雕塑，精细做工广受赞誉，但是因为显得过于堕落、颓废，也遭到很多批评。昆斯的大型植物雕塑也很有名，例如《小狗》（Puppy，1992）。《迈克尔·杰克逊和他的猴子泡泡》（Michael Jackson and Bubbles，1988）是一尊有点洛可可风格的金色陶瓷雕塑，表现了流行音乐之王和他的宠物猴子。人们对于昆斯的艺术的看法毁誉参半，因为他使高雅艺术看起来像是仅供人观赏的景观，而有些人认为这正是这些作品的意图。
达明安·赫斯特为什么把一条虎鲨保存在福尔马林里？
如果没有《生者对死者无动于衷》（1991）的作品名称，达明安·赫斯特（Damien Hirst）创作的这条保存在福尔马林里的鲨鱼可能没什么含义。赫斯特（1965—）早期作为“年轻英国艺术家”（Young British Artists）获得了艺术上的成功，用各种媒材进行了创作，作品有绘画、版画、雕塑和装置。赫斯特的“腌鲨鱼”和他的很多作品一样，用死去的动物作为材料，而且主题是死亡和人类的脆弱性。一条曾经非常凶猛好动的鲨鱼现在却一动不动，透过玻璃可以看到那些保存在福尔马林中的危险的尖牙。一条曾经会呼吸的动物现在却是静止、冰冷的，和其他现成品做成的流行艺术毫无区别。很多人批评赫斯特的鲨鱼就是一个博人眼球的噱头，还有人声称这件作品根本不能算作艺术。但是总体来说，无论是在艺术方面还是销售方面，赫斯特都是非常成功的，他的作品为他赚取了几百万美元，1995年，他还获得了英国颇具声望的特纳奖。
《生者对死者无动于衷》
“年轻英国艺术家”都有谁？
年轻英国艺术家（YBA's）是一群关系较为松散的当代艺术家，他们都在伦敦工作，大部分曾于20世纪80年代在伦敦的金史密斯学院进修。很多“年轻英国艺术家”获得了富有的赞助人的支持，包括广告业巨头、艺术收藏家查尔斯·萨奇（Charles Saatchi）。“年轻英国艺术家”中就有达明安·赫斯特（1965—），1988年，他在一间仓库里策划了一场YBA作品展，正式介绍了这个群体。其他成员还有加里·休姆（Gary Hume）和菲奥娜·瑞依（Fiona Rae），他们的作品都在这场展览中展出过，而瑞秋·怀特里德（1963—）和翠西·艾敏（Tracey Emin，约1963）虽没有展出，但是也被认为是YBA的成员。这些艺术家的作品风格多样，加里·休姆和菲奥娜·瑞依主要创作绘画，而怀特里德和艾敏主要创作观念性雕塑和装置。
当代艺术与科技
什么是视频艺术？
当安迪·沃霍尔等艺术家还在试验电影和视频录像时，视频艺术（video art）就已经诞生了——1965年，激浪派艺术家白南准用全新的索尼便携式录像机拍摄了纽约城的街道，仅几小时后，就在一家咖啡厅里放映了这段视频。视频艺术（一种媒介，而不是艺术风格，正如油画也是一种媒介）代表了艺术从受大众媒体的影响过渡到开始受电视的影响。录影艺术有多种形式，从雕塑和装置到表演艺术中都有应用，而且视频可以现场直播，或者录像之后在各种不同的场景中放映。1996年，道格拉斯·戈登（Douglas Gordon）因视频作品《惊魂24小时》（24 Hour Psycho，1996）获得了英国的特纳奖。当代视频艺术家有比尔·维奥拉（Bill Viola，1951—）、马修·巴尼［Matthew Barney，1967—，创作了《悬丝》（Cremaster）影片系列］和加拿大的斯坦·道格拉斯（Stan Douglas，1960—）等。
谁是白南准？
美籍韩裔艺术家白南准（Nam June Paik，1932—2006）以多种媒介进行创作，包括录影带、绘画、雕塑、机器人、激光装置和写作，但是他最著名的身份是具有创新性的视频艺术家。白南准在德国学习时加入了激浪派，1958年遇到了实验作曲家、艺术家约翰·凯奇（John Cage），二人成为好友，而白南准也受到了后者的启发。他把录影作为雕塑和装置艺术中的组成元素，例如，他把电视一台台堆起来，用琴弦串起来，制作了一把“大提琴”，还用两台电视机的屏幕做了一件胸罩，作品起名为《为活雕塑做的电视胸罩》（TV Bra for Living Sculpture，1969），是专门为他的合作者、大提琴演奏家夏洛特·摩尔曼（Charlotte Moorman）演奏时穿戴而设计的。白南准的《录影国旗X》（Video Flag X，1985）是另一例在雕塑中加入视频的作品——一系列电视屏幕排列成网格状，展示美国国旗的图案。
谁是比尔·维奥拉？
比尔·维奥拉（Vill Viola，1951—）是一位当代视频与声音艺术家，主要探索科技在他的视频和音频等作品中的作用。他最著名的作品是一件情感浓烈的雕塑装置《天与地》（Heaven and Earth，1992），作品中有两个面对面放置的视频播放器，其中一个播放艺术家的母亲临终前的场景，另一个播放他刚出世的儿子的录影，将生命的开端与结束并置。由于屏幕表面反光性极好，两个播放器中生与死的画面仿佛融合在了一起。维奥拉的大型装置能够用视频和音频创造出一个令人完全融入其中的环境，使观众成为艺术的一部分。维奥拉1976年的作品《他为你哭泣》（He Weeps for You）中也包含视频，参观者能够看到从黄铜阀门里缓慢滴落的一滴水中自己的倒影，而且能听见自己的声音，其中水滴映出的图像被放大，投射到了一个大屏幕上。
什么是声音艺术？
声音艺术（sound art）又称音频艺术，始于20世纪70年代末，但是在此之前，艺术家和音乐家们已经进行了数十年之久的声音和电子音乐实验。声音艺术与视频艺术一样，并不是一种风格，而是一类媒介，而且包括很多种不同的声音，从自然的到人造的都有。1913年，意大利艺术家路易吉·鲁索洛（Luigi Russolo，1883—1947）写了一篇题为《噪音艺术》（The Art of Noises）的宣言，用新的乐器和由“噪音”构成的音乐进行创作。同年，达达主义艺术家马塞尔·杜尚创作了《印错的音乐》（Erratum Musical），后来，伊夫·克莱因谱写了整首乐曲中只有一个音符的《单调交响曲》（Monotone Symphony，1947）。如今，有不少声音艺术家（以及利用声音的视觉艺术家）在进行创作，其中包括英国艺术家布莱恩·伊诺（Brian Eno，1948—），他与艺术家彼得·施密特（Peter Schmidt）合作创作了《间接策略：超过百个有价值的困境》（Oblique Strategies：Over One Hundred Worthwhile Dilemmas，1975），这是一套用于协助艺术家们解决生活和创作中（例如创作音乐时）遇到的困境的卡片。声音艺术现在仍处于发展初期，新的音频和数字技术将继续发展，并给这一创作媒介带来影响。
什么是数字艺术？
数字艺术（digital art）是指用数字技术（例如计算机）创作的艺术，现在更常用的名称是新媒体艺术（new media art），囊括了二维图像（用Adobe Photoshop等软件制作，印刷或电子版均可）、三维作品，甚至还有用计算机软件制作的动画或视频等多媒体作品。
什么是互联网艺术？
艺术家们一直在发掘新技术，以作为艺术创作的媒介，从丙烯颜料开始，到塑料、电子产品，甚至万维网（World Wide Web）。互联网艺术（Internet art/net art）是数字艺术中新兴的一类，可以互动、合作式，而且便于参与，是一种独特的艺术形式，只需点击一个按钮，世界各地的观众就都能看到。1995年，Adaweb网站正式建立，这个网站相当于一个在线画廊，可以为艺术家举办虚拟艺术展览，菲利克斯·冈萨雷斯-托雷斯（Felix Gonzalez-Torres，1957—1996）和珍妮·霍尔泽（1950—）都曾参与，其中后者曾在Adaweb上展出了《自明之理》。俄国艺术家欧莉亚·李亚林纳（Olia Lialina）的互动作品《我的男朋友从战场归来》（My Boyfriend Came Back from the War，1996）是互联网艺术的另一个例子，网站访问者可以点击不同的超链接和GIF（“图形交换格式”的数字图像），阅读作品讲述的故事。互联网艺术仍在不断扩展，很多博物馆和画廊都制作了艺术网站，新一代的数字艺术家也开始探索这一媒介。
新兴艺术形式
涂鸦算艺术吗？
从后现代的角度来看，涂鸦（graffiti）作为一种视觉艺术表现形式的合法性不亚于任何美术形式，所以油画和涂鸦不相上下，都算作艺术。涂鸦作为绘画的一类，已经有至少数十年的历史，不过常常与蓄意破坏公物有关，属于非法在公共空间绘画或标记的行为。例如，艺术家杰克逊·波洛克和让·杜布菲都在作品中融入了类似涂鸦的元素。1983年，荷兰的博曼斯美术馆（Boymans van Beuningen Museum）举办了首届涂鸦艺术展，标志着涂鸦正式成为美术。20世纪70年代末，艺术家让·米切尔·巴斯奎特（Jean-Michel Basquiat，1960—1988）成为了涂鸦艺术家，他和朋友艾尔·迪亚兹（AI Diaz）一起，在建筑物上涂写一些短诗句，两人在作品后面签上“SAMO”（same old shit，意为“还是老一套”）四个字母。20世纪80年代，巴斯奎特发明了一种包含涂鸦元素的新表现主义风格，对实验音乐进行了一番探索，并在纽约和洛杉矶的画廊里展出了他的作品。另一位艺术家凯斯·哈林（Keith Haring，1958—1990）也开始用粉笔和魔术马克笔进行创作，在纽约地铁站等公共空间画了很多充满活力的卡通形象。随着涂鸦艺术和街头艺术越来越多地得到主流的关注，英年早逝的巴斯奎特和哈林（前者因吸食过量海洛因，后者因艾滋病）在去世后都获得了更大的成功。
中国台北某处的涂鸦艺术
电子游戏能成为艺术品吗？
所有的艺术品都需要观者的参与才能产生意义，装置艺术可能尤其明显。当你去画廊欣赏艺术时，你的想法和经历会影响你对于所见艺术品的理解。这个交互的过程会自然而然地拓展到游戏和电子游戏的概念。多年来，游戏理论和游戏艺术一直是艺术家探索的领域，而且成果颇丰。2001年，马萨诸塞当代艺术博物馆举办了“游戏展”（Game Show）；2012年，史密森尼美国艺术博物馆也举办了展览“电子游戏的艺术”（The Art of Video Games），该展策展人克里斯·梅里西诺（Chris Melissinos）解释道，通过电子游戏的媒介，我们“受艺术家之邀，通过玩游戏，把自己的道德观、世界观和经历注入游戏之中，最后每个人都会有完全不同的游戏经历”（也就是电子游戏的艺术）。和其他数字艺术形式类似，电子游戏艺术仍处于发展初期，在未来的几年中，一代代创新的艺术家很可能会继续发掘这一媒介在理论和美学方面的潜力。
当代艺术与全球化
现在世界上有哪些重要的国际艺术家？
当代艺术界的范围越来越国际化，很多来自世界各地的艺术家都得到了评论界的认可，并大获成功。如下列举了几位这样的艺术家。
谁是莫娜·哈透姆？
巴勒斯坦视频与装置艺术家莫娜·哈透姆（Mona Hatoum，1952—）在黎巴嫩度过了童年，现在主要在英国工作。哈透姆的观念性装置和表演作品经常表现流放和权威的主题。主要作品有极简风格的《世界之基》（Socle du Monde，1992—1993），这是一个大型黑色立方体，内部的金属结构和柔软的有机外表装饰形成鲜明对比。
谁是森万里子？
日本当代艺术家森万里子（Mariko Mori，1967—）的作品包括视频、摄影和装置。作品《Tom Na Hiu》（2006）是一个如同巨石碑的高科技装置，内部灯光会根据东京的超级神冈中微子天文台（Super-Kamiokande Neutrino Observatory）记录的信息变色或闪动。森万里子的作品受到了科技的影响和佛教的启发。
谁是施林·奈沙？
美籍伊朗裔摄影师、视频艺术家施林·奈沙（Shirin Neshat，1957—）的摄影作品经常探讨穆斯林妇女的各种标签式形象。她的后期视频作品如《生命之树》（Tooba，2002）和《鸟的逻辑》（Logic of the Birds，2002）则通过古兰经中的符号和音乐探讨了精神性的主题。
施林·奈沙《对觉醒的忠诚》
谁是加布里埃尔·奥罗斯科？
来自韦拉克鲁斯州哈拉帕的墨西哥艺术家加布里埃尔·奥罗斯科（Gabriel Orozco，1962—）的作品有雕塑、摄影和装置，他通常会对现成品稍作些改动，而且作品有复杂的含义。例如，20世纪90年代初，奥罗斯科把一辆雪铁龙DS系列轿车切开，宽度变成原来的三分之一，让我们可以从不同的角度来考虑常见的物品。
大英帝国最高骑士勋章获得者因卡·修尼巴尔是谁？
尼日利亚裔英籍艺术家因卡·修尼巴尔（Yinka Shonibare，1962—）的作品有视频、摄影、装置和表演等多种形式。他的一些著名作品对种族身份和后殖民时期不同文化之间的关系提出了疑问，其中雕塑《争夺非洲》（Scramble for Africa，2003）呈现了一群身穿欧洲式样服装的无头欧洲领导人，那些衣服由非洲印花布料制作，十分符合他们瓜分非洲大陆资源的事实。2005年，英国女王维多利亚二世为他颁发了大英帝国最高骑士勋章（MBE）。
艺术将何去何从？
现代主义和后现代主义艺术家已经拓展了所有可能的界限，打破了所有可能的规则，而且普遍认为日常生活中的几乎所有事物——从烟头到糖纸到小便池——都能成为艺术品，接下来的问题是“然后呢”，一幅普通的画还蕴含着任何力量吗？艺术本身已经终结了吗？
唐纳德·卡斯比特（Donald Kuspit）的《艺术的终结》（The End of Art）和阿瑟·丹托（Arthur C．Danto）的《艺术的终结之后》（After the End of Art）等书提出了这些看上去很极端的问题，并不是因为有人担心艺术家会完全停止创作艺术，而是因为在这个科技主导的“后现代之后”（post-postmodern）时代，艺术创作具有特定的哲学和美学寓意。有些评论家在为一个可能毫无美感可言的未来而忧心忡忡，但事实上，没人知道一百年后的艺术会是什么样，我们也不会知道未来的艺术家和评论家将如何看待20世纪末和21世纪的艺术。
我们生活的时代正是艺术史上十分令人激动的时间节点，艺术家们面对过去几千年漫长的艺术史，在艺术创作方法上受到了严峻的挑战。只有时间才能让我们看清当下的艺术潮流和哲学，未来的学者或评论家可能会把后现代主义的各种元素重新归类成其他的“主义”，以全新的方式进行讨论。艺术不会仅沿着某个单一的方向进化发展，也不会像故事的叙事结构那样，最终画上一个句号。
艺术是一类乱七八糟、千变万化的人类劳动，它的未来不可预知。
独立探索艺术
我在周边什么地方能看到艺术品？
如果你认真去找，艺术其实无处不在。一定要去当地的画廊和博物馆看看，它们通常有常设展和定期更新的临时展。咖啡厅、书店和装裱店也经常挂着当地艺术家的原创作品，有时还会举办艺术讨论会。如果想遇见同样对艺术感兴趣的人，这些地方都是绝佳场所。夏天的时候，在市中心、公园和露天市场都会经常举办工艺美术游园会和艺术节。你可以在网上搜索，或者去当地的工艺美术小店、画廊或咖啡厅，那里可能会有一些关于艺术活动的信息。
我想学到更多知识，在哪些网站上可以找到艺术方面的学习资源？
关于艺术的网站多得数不胜数，在网上查找艺术资源时可能会获得许多信息。下面是几个艺术信息资源丰富的网站，内容浅显易懂，而且通常十分有趣。
●纽约大都会博物馆的Heilbrunn艺术史时间线。该网站对艺术运动和风格提供了详细的解释，而且还用博物馆收藏的某些作品举例说明，是西方和非西方艺术方面非常棒的资源。如果你不能去纽约，那么看看大都会博物馆的艺术史时间线也很不错。
●谷歌艺术计划（Google Art Project）。打开谷歌艺术计划的网站就像是走进一座虚拟博物馆，你可以尽情畅游洛杉矶的盖蒂博物馆、佛罗伦萨的乌菲兹美术馆或者伦敦的泰特英国美术馆。2011年，几十家博物馆都对谷歌敞开了大门，允许他们用相机以类似谷歌街景的模式拍摄场馆内部。2012年，该计划进一步扩大了范围，现在，在谷歌艺术计划网站上，可以看到来自世界各地的成千上万件艺术品。
●可汗学院（Khan Academy）创建了Smarthistory网站。Smarthistory上有充足的资料，可以学习关于艺术运动和具体艺术作品的知识。该网站提供了一些世界上最有名的绘画、雕塑和建筑的相关文章、视频和音频导览。最近，Smarthistory还加入了非西方艺术的资源，其多媒体演示信息丰富，趣味十足。
有关于艺术的好纪录片吗？
关于艺术和艺术家的纪录片有成百上千部，其中西蒙·沙玛（Simon Schama）的《艺术的力量》（Power of Art，2006）系列是近期最好的纪录片之一，解释了从文艺复兴到20世纪各位著名艺术家的作品，讲得很棒，而且非常幽默。PBS（美国公共广播公司）的《art：21》系列是介绍21世纪艺术最出色的节目，每集按主题划分，让观众进入艺术家的头脑（以及工作室）中一窥究竟。如果西方和非西方的艺术都想看，那么《穿越时间的艺术：环球视野》（Art through Time：A Global View）系列也是按主题分集的纪录片，而且囊括了来自世界各地的艺术史学家所提供的信息。这部纪录片经常在电视台播放，可以查查地方台的电视节目表。
有哪些关于著名艺术家的电影？
艺术家们的生活一直是电影的灵感来源。下面列出的都是关于艺术家或受到艺术家启发的电影：
●《从礼品店出门》（Exit through the Gift Shop，2010）：一部引人入胜的纪录片，关于谜一般的街头艺术家班克斯（Banksy）。
●《少许灰烬》（Little Ashes，2008）：关于艺术家达利与电影制作人路易斯·布努埃尔（Luis Buñuel）和作家弗里德里科·加西亚·洛尔迦（Federico García Lorca）的关系的电影。罗伯特·帕丁森（Robert Pattinson）在这部电影中饰演达利。
●《工厂女孩》（Factory Girl，2006）：戏剧性演绎了伊迪·塞奇威克和安迪·沃霍尔的故事。
●《克里姆特》（Klimt，2006）：约翰·马尔科维奇（John Malkovich）饰演奥地利艺术家古斯塔夫·克里姆特。
●《莫迪里阿尼》（Modigliani，2004）：发生在巴黎的戏剧性爱情故事，关于艺术家莫迪里阿尼和毕加索之间的竞争关系。
●《戴珍珠耳环的少女》（The Girl with the Pearl Earring，2003）：由翠西·舍瓦利耶（Tracy Chevalier）的小说改编，而小说的灵感来自维米尔的著名油画。
●《弗里达》（Frida，2002）：萨尔玛·海耶克（Salma Hayek）和阿尔弗雷德·莫里纳（Alfred Molina）分别饰演弗里达·卡罗和迭戈·里维拉。
●《波洛克》（Pollock，2000）：艾德·哈里斯（Ed Harris）饰演抽象表现主义画家杰克逊·波洛克。马西娅·盖伊·哈登（Marcia Gay Harden）因成功扮演了李·克拉斯纳（Lee Krasner）获得奥斯卡奖。
●《波尔多的欲望天堂》（Goya in Bordeaux，1999）：一部关于艺术家弗朗西斯科·戈雅的戏剧性西班牙语电影。
●《忘情毕加索》（Surviving Picasso，1996）：在这部关于毕加索生命中几个女人的电影中，安东尼·霍普金斯（Anthony Hopkins）饰演巴勃罗·毕加索。
●《巴斯奎特》（Basquiat，1996）：后现代艺术家让·米切尔·巴斯奎特的传记片。
●《我杀了安迪·沃霍尔》（I Shot Andy Warhol，1996）：莉莉·泰勒（Lili Taylor）饰演的瓦莱丽·索拉尼斯（Valerie Solanis）于1968年开枪射伤了安迪·沃霍尔。
●《文森特与提奥》（Vincent and Theo，1990）：罗伯特·奥特曼（Robert Altman）执导了这部关于文森特和提奥·梵高兄弟的电影。
●《罗丹的情人》（Camille Claudel，1988）：一部关于雕塑家卡米耶·克洛岱尔与奥古斯特·罗丹的法国电影。
●《奥维利》（Oviri，1986）：唐纳德·萨瑟兰饰演法国艺术家保罗·高更。
|
|
发表于 2019-1-19 13:42:33